偶而再次瀏覽自己所寫的網誌。
檢視學畫生涯，在2011年秋天踏出了第一步，數數
自己的畫齡，滿五年了。這段時間，如果修的是大學藝術科系，也該修完了該修的學分和課程。
縱觀整個學習的心路歷程，自己到底學到了一些什麼？又對中國畫的認識了多少？呈在腦中的只是一團雜亂，也需要理理頭緒，才能讓自己更清晰一些。
不善於歸納，只能想到什麼就寫什麼，來檢視自己在這個領域裡的認知程度。
記得剛開始學畫沒多久，我拿了一張在家裡畫好的作品到課堂，還沒給老師看，一位學畫較久的學姊就給了評語：「不見筆也不見墨，不算是中國畫吧！」甚麼是筆？甚麼是墨？我還處在什麼都不懂的階段，聽了覺得很傷！
幾經請教，我約略知道所謂筆墨，就是在畫中所顯現出來的筆觸和墨韻。藉由筆墨的觀察，可以清楚的知道畫者基本功的功底有多深？筆觸須藉由練筆以求進步。用筆的中、側、順、逆，須經常習練才能靈活的轉換和應用。（註1）墨韻藉由濃、淡、乾、濕來表現，如何沾墨營造色階，是練習的要領。
老師在課堂強調的話，對學員來說鐵定是金科玉律。一定要熟記、體會、才能求通求悟。
2013年秋天開始師事蔡誠義老師學山水。老師非常健談，而且幽默、風趣，課堂上總是笑聲不斷。
就在輕鬆的氛圍裡，畵理及技法，自然而然緩緩被吸入腦中。老師說：『畵無常法，但有常理。』
『要畫得好，重要的是用腦而不是用手。』
在這段時間，我自認獲教良多。最重要的是從 老師這兒知曉了「常理」這個「理」字。
繪畫技法，各有各的不同，習得再多，沒通悟畵理，只能算是個畫匠。也就是老師說的用手作畫。
最早跟任淑齡老師學畫花鳥，老師強調的是：『要多讀書』、『天道酬勤』。一開始我不懂，學畫跟多讀書如何扯上關係？老師說明後我才明白，追求畫藝進步除了勤於練筆；還要多方增加腦中素材的累積。
老師還應用了陶淵明所舉的例子：勤學就像春天的禾苗，一天裡看不到它有所增長，一季下來它就長成了！
此後我開始閱讀，遇到有關繪畫的常識就吸收，不管能不能消化？自嘲有點飢不擇食！包括大量賞畫，老師糾正為讀畫。不要只是欣賞。
學習中國畫當然要對中國畫有所認識。
國畫在初學時以臨摹作為入門的手段，逐漸地對物景寫生。再進而寫意。就是以前人為師、以造化為師進而達到能自己創作的目的。
中國畫與西洋畫不同的是：中國畫強調的是以線寫形、以形傳神。中國畫既用焦點透視，也用散點透視，物象在畫面出現時不像西畫那樣真實而嚴謹，可按藝術工作者需要讓實物在畫面上改變形狀、大小，或更換位置。
2011年秋天，因考慮從職場退休；想為退休後的日子，再多培養一項興趣，不致在漫漫的養老之年，時間難以打發。一般說來，繪畫比較正面，作為消遣，不像喝酒、打牌、稍無節制，既浪費金錢又傷身體。當初抱持的想法，找一項正面且無需花錢的消遣而已。因此一頭栽進了學畫行列。
中國畫除了技巧，最重要的是要先立意。也就是說下筆之前先確定主題。
意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古。如果缺乏立意的過程。作品必也平庸。意是從甚麼地方來？一則是畫者對現實生活的豐富體察、創作經驗的充分積累；另一點便是畫者本身的素養，在創作之先，要畫什麼？怎麼畫？在頭腦中已先有了成熟的構思。宋代畫家文與可，別人稱讚他"胸有成竹"，在他尚未落筆畫竹之前，腦海中已先有了竹子的形象，躍然欲出，因而能輕鬆落筆而就。
學畫的人，不僅要在平時注意練筆、累積個人的表現技巧，更重要的，還要加強練意的功夫。很多人，常常只注意到練筆而忽略了練意。
有過一次難得又美好的經歷，在李奇茂大師的展場裡，無意中聽到有人輕輕的在評論，共有三位，我想應該是繪畫界的前輩，內容極有見地也顯深度。於是我裝著在賞畫，一路偷偷聆聽。有一位談到大陸畫家齊白石。齊白石與畫友相聚，常常由人出題，自己來畫，
有一次他朋友的題目是「蛙聲千里」。想著聲音看你如何表達？齊大師思索了一會，畫出了。一條婉蜒細長的溪流從高處山澗裡伸出，就在溪流的末端有幾隻小蝌蚪幽游著。聽著這樣的描述，雖然沒有看到這幅畫，我的心還是被悸動了。好高好深的意境！除了那份奇，還得加上個「趣」字。
大膽落筆、細心收拾。這句話，幾乎學畫的人都耳熟能詳。我的個性比較急，做事喜歡儘快完成。有一次臨摹蔡老師的一幅山水畫稿，老師沒有評語，只是在課堂上修改了我的畫。那是一張三開紙，構圖沒有改變，老師只用較濃的墨不停作疊加，一次再一次（後來我知道那是積墨的功夫）。花了半個鐘頭，整張畫的樣貌徹底改變了。這時我突然體悟到，原來我畫畫，都只畫了一半就算完成。自己的畫總覺得留有那麼一份草率氣。此後「慢調斯理」成為我練畫的準則，不再輕易的去完成它。慢慢的自己發現畫中給人草率的感覺沒有了。因為有後面的細心收拾作倚仗，自然可以大膽落筆。
曾聽過有人這樣評論過，西畫要畫好，靠的是靈感，以及一份衝動的激情。學西洋畫如果到了壯年還沒成名，那麼他的繪畫成就，大概也就到此為止。畫好中國畫，靠的是畫者豐富的生活體驗、以及文化素養的積累。也就是說對中國畫者的評價是，越老越辣、越老越值錢。在書上看過有名的「富春山居圖」，作者黃公望年過七十才開始作畫，這幅畫他畫了三年多才完成。真的是慢工出細活，也造就了富春山居圖歷時而不朽的畫壇評價！齊白石年過九十還在畫，張大千也高齡八十五。
課堂上，老師示範畫蘭。筆端一提一按，畫出了一筆非常漂亮而生動的折葉。大家吵著要老師告訴我們如何練成的？老師說，再讓他畫一遍，也未必能畫出一樣好的這一筆。不要拘泥於小筆劃的學習，因為一幅畫有可能是上萬筆的結合。用筆練熟之後自然就會有神來之筆出現。不要刻意去學習一些小技巧，只要多臨摹多學習，畫過了就把它忘掉。忘不掉的才是你真正需要留下的功夫。從這個基礎去形塑自己的個人風格。老師與畫會朋友聯展，上百幅畫中，我很輕易地就認出了哪幾幅畫是老師的，再看小紙條介紹果然沒錯。
因為老師總會在畫上添加適當比例的黑。老師強調，那不是烏漆嘛黑的黑，不要亂用亂學習。我想這就是所謂的個人風格吧？
傳統與創新也曾經困擾過我一陣子，先進學姊給我的訊息是，現在華人畫壇，嶺南派是主流，參入西方元素，時時講究創新，什麼撞粉法，還有劉國松的抽筋剝皮法等現代水墨，走的都屬於革新的路線。路線的選擇，讓我感到無所適從的困擾，不過我很快就跳脫了。因為我想通了這不是剛入門的我該煩惱的問題。能一代一代被留傳下來的就是傳統，也許它已經經歷了幾百年幾千年還沒有被淘汰，你能說那不是好東西嗎？
現在的創新如果能被大家認同，跟著做，經過一段相當長的時間還被沿用著；那也變成傳統了。傳統與創新都好，一個已經經歷了時間的考驗，一個還待接受。
我有了這樣的想法，只要我不懂、也想學的就學。
不要跟人家去分什麼派別。
本地金湖有個畫家陳玄茂先生，蔡老師帶著我們去拜訪，陳先生親自接待；沿參觀路線欣賞了多幅他的大作，大部分是海邊的寫生，可能是就地取材，選擇最熟悉的事物吧！最後在坐下喝茶的那個屋子，看到了一幅較大尺吋的畫作，描繪農村生活的景象，畫裡有幾株用來製糖的原料甘蔗，陳先生解釋，他要表達「農村生活是甜的」。這麼大尺寸，我冒昧的請教了陳先生，完成這幅畫他用了多少時間？陳先生告訴我連構思大概花了一個月。當時我想，畫技能勝任時我也該挑戰一幅大畫。這個想法，在前些日子付之行動，第一次貼在牆上作畫，合併三張練習紙，尺寸是210公分×130公分。順利的在今天早上收工，累計作畫時間27小時。畫得好不好我不去檢討它，實現自己的想法，心情總是愉快的。
書畫同源。考慮到畫上必須有的題款，在一年前，開始跟蔡誠賢老師學書法，看到班上同學的程度，實在羞於繳交自己的作業。醜媳婦總要見公婆，最後還是硬著頭皮，交了出去，老師的評語：結構可以，筆意也好，獨缺韻味。字的韻味？百思不得其解。在課堂觀看老師示範的過程中，我慢慢地有了一絲絲的領悟，我修正了我的執筆。
硬梆梆的筆觸應該轉為空靈，老師書寫時能被感受到的那種律動與節奏感，正是我所欠缺的。知道了問題所在，也就有了努力的方向。習字必須要下很札實的基本功，我起步較晚，要迎頭趕上洪慶章、黃金滿同學的程度，絕對是不可能達到的目標。或許可以在學畫的基礎上，投點機，多在章法布局及濃淡墨韻下功夫，看看是否能達到速成的要求？
努力吧！
註：蔡老師批註，筆法有鈎、皴、擦、點、染五種。
中國山水畫，作畫方式，大多先鈎輪廓，然後再皴、擦、點、染完成。程序井然，宋代夏圭
打破：「皴、擦、點、染」的作畫程序。連皴帶擦、連皴帶點染。一氣呵成。被歸納為托泥
帶水皴。老師課堂示範常用之。
習畫年表
2011年秋開始學畫，師事任淑齡老師學四君子、花鳥
2013年秋師事蔡誠義老師學山水
2015年秋師事蔡誠賢老師學書法
2016年秋開始跳脫臨摹、試著創作
2016年秋開始大尺寸畫作練習
